12 Melhores Pinturas da Galeria Nacional de Londres

Você está procurando o que ver e fazer em Londres e é um amante da arte? Baco e Ariadne, de Ticiano, Vênus Rokeby, de Velázquez, Girassóis, de Van Gogh, Autorretrato, de Rembrandt, Lutador Ousado, de Turner, além de 2.300 outras pinturas e afrescos estão atualmente em exibição na National Gallery, em Londres.

Fundada em 1824 com apenas 38 pinturas, tornou-se a verdadeira joia da coroa com sua notável representação do melhor do século XIII ao XX em solo inglês. Mas quais são suas melhores obras? Nesta publicação, compartilharei com você as principais pinturas que você não pode perder de acordo com os especialistas, todas organizadas pelo ano de criação. Vamos lá!

Essa obra-prima de Jan van Eyck é uma das peças mais enigmáticas da história da arte. Raramente eram pintados retratos completos no século XV, e este retrata não uma, mas duas pessoas: o "Casamento de Arnolfini".

Este não é um retrato comum, é uma obra-prima! E com uma história movimentada de viagens, roubos e saques, foi Fernando VII quem o recuperou e o entregou à Inglaterra. Essa pintura tem centenas de interpretações de seu simbolismo e é uma das representações mais convincentes de pessoas da época, no seio de sua casa, demonstrando o domínio de Van Eyck sobre luz e sombra, bem como sua atenção meticulosa aos detalhes.

Essa pintura é uma das joias dos 30 museus mais famosos do mundo e você pode dar uma olhada na obra na Sala 28 da National Gallery em Londres.

Paolo Uccello foi um pintor renascentista conhecido por seu uso de perspectiva e escorço, bem como por sua capacidade de capturar detalhes intrincados em suas pinturas. Isso é evidenciado por essa obra, uma das 100 melhores pinturas de Londres de acordo com a TimeOut.

Ela retrata uma batalha entre soldados florentinos e de Siena. Os florentinos venceram a batalha, mas o cavalo de Tolentino é pintado com tantos detalhes que parece estar correndo em direção ao observador.

Os três painéis que retratam a batalha foram supostamente encomendados pela família Medici, que os manteve até os últimos dias de Lorenzo de' Medici em 1492.

Esta é uma das obras mais importantes do Renascimento italiano. Foi pintada em 1501, quando Veneza estava no topo das capitais europeias e os Bellinis estavam conquistando o cenário artístico. Esse é um exemplo perfeito da união entre arte e poder daquele período.

A pintura retrata o doge ou "magistrado supremo" da oligarquia que governava Veneza. As feições do homem são imóveis e refletem traços romanos todo-poderosos. A luz anima toda a superfície, especialmente os ostentosos damascos de fios de ouro e prata da agora terra turca.

Um olhar mais atento à pintura revela as diferentes camadas de tinta a óleo que compõem seu relevo, pois para Bellini, o jogo de luz e sombra era mais importante do que a forma, como observa o historiador alemão Robert Suckale em seu livro "The Masters of Western Painting".

Esta é uma das mais importantes obras remanescentes desse período da arte renascentista italiana. A composição foi inspirada em uma obra de Da Vinci intitulada "Madonna Benois", e o resultado é uma das 10 obras imperdíveis da National Gallery em Londres, de acordo com especialistas da Art & Auctions.

Nessa pintura, Raphael Sanzio retrata a Virgem Maria jovem e bela, com uma expressão relaxada como símbolo de sua proximidade com a humanidade. Ela usa um vestido elegante com mangas largas e um manto de pele sobre os ombros. A mão direita da Virgem repousa em seu colo e ela segura um cravo ou botão de rosa em frente ao peito, razão pela qual essa pintura é conhecida por alguns como "A Virgem das Rosas".

Essa é uma pintura mística e há duas pinturas com o mesmo nome. A primeira data de 1486 e está em exibição no Museu do Louvre. A segunda foi pintada uma década depois e está exposta na Sala 9 da National Gallery em Londres e está entre as 20 pinturas mais visitadas da National Gallery em Londres.

De acordo com os curadores, a narrativa central da pintura gira em torno de uma Virgem de pele clara que acaba de sair de uma caverna, mas há duas teorias:

• A primeira aponta para o fato de a Virgem abençoar a humanidade ao emergir daquelas paredes.
• A segunda se inclina para uma visão mais humanista, seguindo o mito da caverna de Platão.

Qual teoria é a correta? Bem, esse é um dos muitos enigmas a serem decifrados no Código Da Vinci. E a esse mistério soma-se a possibilidade de que Giovanni Ambrogio de Predis, assistente de Da Vinci, possa ter sido o autor material da obra.

Esta é uma impressionante pintura a óleo que retrata Baco, o deus romano do vinho, e sua loucura em busca de sua amante perdida, Ariadne. A pintura foi criada em 1523 para Alfonso I d'Este, duque de Ferrara, como uma encomenda para uma série de afrescos e pinturas mitológicas para o Camerino d'Alabastro.

É interessante notar que, enquanto o espectador amador se distrai com a harmonia de cores usada por Ticiano, no lado esquerdo o habilidoso pintor recria a origem mitológica da Constelação Boreal, já que o presente de casamento de Zeus era transformar a coroa da noiva nesse agrupamento de estrelas.

Para ver essa obra de arte histórica em detalhes na National Gallery em Londres, vá para a sala 10.

Van Rijn Rembrandt estava no auge de sua carreira quando pintou o Autorretrato, aos 34 anos de idade. Ele era o pintor mais famoso da Holanda e membro de círculos sociais exclusivos.

O artista reflete um nobre de alto status, caráter imponente, vasta riqueza e o poder que vinha com seus dons artísticos e humanísticos, embora não possamos ignorar o fato de que a sorte lhe sorriu após seu casamento com sua prima Saskia. De fato, 29 anos depois, após a morte de Saskia, em seu Autorretrato aos 63 anos, a impressão está longe do original.

Rembrandt era um especialista em retratar as tradições da alta sociedade, especialmente em retratos de grupos, e sua contribuição para a arte barroca é aclamada no cenário internacional, como confirmado pelo célebre escultor Auguste Rodin, por exemplo.

Quem é a mulher na pintura? Os especialistas não decifraram exatamente o enigma, mas o que é certo é que a obra pertence ao mestre espanhol da pintura barroca, Diego Velázquez.

Essa pintura a óleo parece seguir a personificação do amor entre suas curvas. Vênus no Espelho é o único nu remanescente do pintor sevilhano e uma das pinturas mais interessantes dedicadas à feminilidade, talvez pintada durante a segunda viagem do artista à Itália.

O artista estava pouco interessado no rosto dessa deusa enquanto passava pincelada após pincelada pelo "Rokeby", em essência é a beleza feminina que ele queria retratar. Admire essa pintura de perto na Sala 30 da National Gallery, em Londres.

A tradução dessa pintura é bastante controversa, alguns a chamam de Young Lady standing before a spinet, outros de Young Lady standing before the spinet, também de Young Woman seated before the virginal ou Lady seated at the virginal.

Essa pintura é um excelente exemplo da pintura holandesa da Era de Ouro. O mestre da luz e do silêncio é conhecido por seu uso de cores, pela serenidade de suas obras, bem como por seu trabalho com luz e sombra, como nesse caso, em que ele conscientemente reduziu sua paleta para contrastar as texturas.

A pintura mais famosa de Johannes Vermeer é "A Moça com o Brinco de Pérola", retratada por Scarlett Johansson e Colin Firth no filme homônimo de 2003. Entretanto, essa pintura está entre as 20 obras mais visitadas da National Gallery em Londres, de acordo com o relatório da galeria.

Ficou em segundo lugar como a pintura mais bonita da National Gallery, em Londres, em uma pesquisa da BBC, embora sua história tenha tropeçado em seus primórdios.

Com uma representação requintada de uma cena entre Suffolk e Essex, Constable deixa claro por que é considerado um dos precursores do impressionismo.

Apesar de sua visão revolucionária e da medalha de ouro que ganhou em Paris por essa pintura, passaram-se cem anos até que os detalhes do trabalho de Constable fossem apreciados, mas você pode apreciá-los na Sala 34 da National Gallery em Londres.

Esta pintura é um exemplo impressionante do domínio da luz e das cores de Joseph Mallord William Turner. A cena é um pôr do sol com o pano de fundo de um céu tão embaçado que quase parece uma ilusão.

No melhor estilo romântico, esse exímio pintor de paisagens registra em sua obra os dias de glória dos navios a vela, ao mesmo tempo em que relembra o fim de sua era de ouro. Na véspera da comemoração do 200º aniversário da National Gallery em Londres, foi realizada uma pesquisa para descobrir a melhor obra da galeria entre os críticos e visitantes. Essa foi a pintura vencedora e você pode visitá-la na sala 34.

O navio que está sendo rebocado pelo Tâmisa é chamado de "The Daredevil" e chega ao seu destino para ser sucateado após a batalha de Trafalgar em 1805. O rebocador que o está rebocando tem uma silhueta escura em primeiro plano, e o artista não pretendia fazer uma réplica exata do original, pois a intenção era refletir a nostalgia e a perda da transição da era agrícola para a Revolução Industrial.

Esta é uma de suas três obras originais com 15 girassóis no mundo.

A Natureza Morta dos Girassóis é uma pintura curiosa. A intensa presença do amarelo é um fator de distinção do pintor, assim como sua estrutura e assinatura quase ilegível perto de uma delicada linha azul, mais típica do artesão que fez o vaso do que do cofundador do pós-impressionismo.

Vincent van Gogh, em seus esforços para se tornar um discípulo de Paul Gauguin, criou essa série de pinturas para impressioná-lo, embora a história tenha sido rapidamente ofuscada, deixando o pai da arte moderna atolado em tristeza e loucura até o fim de seus dias, com apenas 37 anos.